French New Wave: uma revolução na arte de filmar

French New Wave ou Nouvelle Vague marcou a história do cinema como um dos períodos mais influentes e inovadores. Afetou a arte de filmar nas gerações seguintes e, ainda hoje, inspira realizadores como Martin Scorsese e Quentin Tarantino.

O movimento surge no fim dos anos 50 como resposta dos críticos da sétima arte. Jean-Luc Godard, François Truffaunt e Éric Rohmer expressavam na revista Cahiers du Cinema o seu desagrado relativamente ao facto de os filmes da época não retratarem com profundidade a natureza humana e a forma como as pessoas estavam a viver verdadeiramente. Uma vez que, segundo eles, o objetivo primordial estava a ser o entretenimento.

Outro aspeto alvo de críticas era a perda de controlo criativo por parte do realizador como consequência dos acordos com as grandes empresas de produção cinematográfica. Partindo desta corrente de pensamento surge a Auteur Theory – a ideia de o realizador ser visto como uma enorme força criativa tal como o autor do filme que consegue desenvolver uma identidade artística e ser identificado em tudo o que faz, algo muito comum atualmente.

Os críticos decidem então passar das palavras à ação e avançar com os seus próprios filmes independentes, aprendendo e interiorizando todas as técnicas utilizadas na época em Hollywood mas descartando-as completamente. O objetivo era poderem expressar-se livremente, sem a intercessão dos big studios, mas isto também significava que não iam ter acesso a tantos recursos ou a um avantajado orçamento.

No entanto, as características distintivas deste período advêm em grande parte dessa própria escassez financeira que levou a que fossem obrigados, por exemplo, a utilizar pequenas e leves câmeras operadas manualmente, luz natural e locais de filmagem reais (location shooting) em vez de estúdios fictícios. Estas particularidades permitiram libertar os filmes do tripé atribuindo-lhes uma natureza mais dinâmica e espontânea que permitiu capturar a essência das ruas parisienses e espelhar a própria temática que era característica do movimento.

Ao contrário dos filmes do antigo Hollywood, onde os enredos eram muito existenciais e o diálogo por vezes era improvisado, o objetivo deixou de ser o entretenimento e passou a ser a discussão sobre temas como a absurdez da existência humana onde o espectador é convidado também a refletir usando a sua própria experiência (filme como pura expressão de ideias).

Também ao nível da própria edição as técnicas americanas foram descartadas: a filmagem longa e contínua que deixava o espectador submerso no filme deu lugar à edição fragmentada, os chamados jump cuts, que serviam para transmitir um avanço no tempo e que acabaram por se tornar uma técnica fundamental na indústria.

A exploração deste movimento cinematográfico é uma cativante experiência não só para abrir horizontes e assistir a filmes atípicos, como para refletir sobre as questões levantadas pelas personagens enquanto somos presenteados com fantásticos cenários parisienses.